El vestido ya existe: cómo encontrar tu vestido de novia vintage y enamorarte de su historia
Los vestidos de novia vintage se han convertido en una de las opciones más especiales para las novias que buscan autenticidad, sostenibilidad y un estilo que no se repite. No hablamos de vestidos “inspirados en lo vintage”, sino de piezas reales, con alma, creadas en épocas donde la artesanía era la norma y no la excepción. Los vestidos de novia vintage tienen algo difícil de explicar, pero fácil de reconocer: carácter, autenticidad y una estética que no depende de tendencias.
Vestido de novia 70s de Silvia Marqués
Hay decisiones que no se toman solo con la cabeza. Elegir tu vestido de novia es una de ellas. No es una prenda más: es ese instante frente al espejo en el que, de repente, todo encaja y sientes que esa eres tú. Y a veces, ese vestido perfecto no nace hoy… ya existe, tiene historia, y está esperando vivir contigo otro momento importante.
Si buscas un vestido de novia único, con personalidad y con una calidad que ya no se fabrica igual, esta guía te ayudará a descubrir por qué un diseño vintage puede convertirse en tu mejor elección.
Vestidos de novia vintage: más que una tendencia, una elección con sentido
En un contexto actual donde todo se repite, saturado de vestidos producidos en serie, elegir un vestido de novia vintage es apostar por algo distinto. No es solo una cuestión estética, también es una forma de elegir mejor y desde la exclusividad.
Cuando eliges un vestido vintage, eliges:
Un diseño poco común, fuera de los catálogos habituales. No existe otro igual y no pertenece a una colección masiva.
Detalles reales, como encajes antiguos o bordados originales, tejidos nobles como la seda, patrones pensados para favorecer.
Una opción más sostenible, sin renunciar a calidad. es una forma preciosa de apostar por la moda circular y dar una segunda vida a una prenda con valor.
Un estilo que sigue funcionando hoy. Son vestidos creados para durar, no para un solo día.
Un vestido único sin necesidad de un gran presupuesto. Entre un 40% y un 70% menos que un vestido nuevo de calidad similar. Pagas por artesanía, no por marketing.
«Y sobre todo, eliges algo que encaja contigo, no al revés. Es una pieza que habla de ti, no de tendencias. Es una decisión coherente, elegante y responsable. Cada vestido tiene una historia… y tú decides cómo llevarla»
Estilos y épocas: encuentra tu vestido vintage ideal
Ese vestido ya ha tenido su momento, sí. Pero eso no lo limita, lo enriquece. Puedes llevar un diseño inspirado en los años 20, con caída y movimiento. O una silueta más estructurada de los 50, limpia y favorecedora. Quizá algo más relajado, tipo años 70, o minimalista como los 90. No se trata de recrear una época. Se trata de elegir bien.
Otra de las grandes ventajas del vintage es su capacidad de personalización. Puedes: ajustarlo a tu cuerpo, modernizar el escote, añadir o quitar mangas, acortar o alargar etc.
El vestido mantiene su esencia, pero se convierte en tuyo.
Cómo saber si un vestido vintage es “el tuyo”
Saber si un vestido vintage es “el tuyo” no requiere fórmulas ni complicaciones: basta con sentir que encaja contigo. Si al verlo puedes imaginarte llevándolo con naturalidad, sin necesidad de transformarlo demasiado, si te resulta cómodo y refleja tu manera de ser, y además armoniza con el tipo de boda que sueñas, entonces has encontrado algo más que una prenda: has hallado una extensión de tu historia. Un vestido vintage no se elige solo por su época o su diseño, sino por la coherencia emocional que despierta; cuando todo eso se alinea, es una señal clara de que ese vestido te pertenece.
Y también hay algo más: esa sensación de estar rescatando una pieza con alma, de darle una segunda vida, de convertir su pasado en parte de tu futuro. Es un gesto íntimo, casi simbólico, que transforma el acto de elegir un vestido en un momento de conexión contigo misma.
Cómo combinar tu vestido vintage para un look equilibrado
Combinar un vestido vintage para lograr un look equilibrado consiste en mezclar historia y actualidad con intención: un velo moderno puede actualizar el conjunto, unos zapatos de color aportan un toque contemporáneo, las joyas minimalistas funcionan cuando el vestido tiene mucho detalle, un ramo silvestre suma un aire boho y un peinado sencillo evita que el resultado se sienta demasiado “de época”. El objetivo no es recrear una década, sino construir un estilo que hable de ti.
Puede que no tengas que diseñarlo desde cero.
Puede que no tengas que buscar tanto.
Puede que simplemente ya exista… y encaje contigo.
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El Hospital de Muñecas (en portugués Hospital de Bonecas) de Lisboa es un lugar muy especial. Fue fundado en 1830 por una mujer llamada Carlota da Silva Luz, quien originalmente tenía una herboristería en la Plaza de la Figueira. En su tienda confeccionaba muñecas de trapo, y la demanda de reparaciones fue creciendo. Con el tiempo, el negocio pasó a manos de su familia, y hoy es gestionado por descendientes directos.
En su trasfondo histórico, el sitio está vinculado al antiguo “Hospital de Todos los Santos”, que fue destruido en el terremoto de 1755, y cuyo solar contribuyó a la configuración urbana de la plaza. Se ubica en en Praça da Figueira, nº 7, Lisboa.
Hoy en día es una tienda/restauración/museo de muñecas: reparan muñecas, peluches, trajes, accesorios; tienen muestra permanente de muñecas antiguas, juguetes y restauraciones.
Algunas curiosidades
Se le considera el hospital de muñecas más antiguo todavía en funcionamiento en su ubicación original en el mundo.
En el museo del hospital hay más de 4.000 muñecas de diversas épocas, estilos, materiales y países. La colección incluye muñecas del siglo XIX, muñecas alemanas antiguas, muñecas religiosas, Barbies modernas, peluches antiguos, muñecas de trapo tradicionales portuguesas, etc..
También descubrimos que había un espacio dedicado a «nuestra» Nancy de Famosa y las barriguitas.
Nancys vintage y sus complementos
La persona responsable del hospital nos explicó que muchas de las muñecas «ingresadas» no eran recogidas por las personas propietarias y eran añadidas a su colección permanente (museo del hospital). Un dato realmente curioso dado que en todos los años que llevamos realizando restauraciones de muñecas, sus dueñ@s siempre vienen a recogerlas.
Realizan restauraciones de todo tipo de muñecas: porcelana, trapo, plástico, incluso peluches. En las intervenciones realizan «trasplantes» de ojos, reemplazo de extremidades, ropa, limpieza, reconstrucción de zonas rotas y/o rajadas…. en conclusión, una «puesta a punto» completa.
Hay partes almacenadas (ojos, cabezas, extremidades) en cajones y vitrinas, para poder usarse como «donantes» cuando sea necesario.
A cada nueva restauración se le asigna una ficha («historia clínica») con información, nombre del propietario, país de origen, tipo de desperfecto, etc.
La propietaria actual, Manuela Cutileiro, describe que algunos “pacientes” son imágenes religiosas o figuras del Niño Jesús que llegan dañadas especialmente cuando llega la época de Navidad.
Su entrañable hospital lo describe como un «lugar dónde se cura la nostalgia«
Lámpara hecha con Barbies
En resumen, un lugar muy especial que merece la pena visitar si estás por la capital de Portugal.
Visitamos por primera vez la Fondation Louis Vuitton, ubicada en el Bois de Boulogne de París, es una institución sin ánimo de lucro creada por LVMH con el objetivo de promover el arte contemporáneo y la cultura, haciendo que el arte sea accesible a todo tipo de público.
Diseñado por Frank Gehry, es una joya arquitectónica compuesta por 12 “velas” de vidrio que flotan sobre estanques, cubriendo un núcleo de “icebergs” de hormigón. El conjunto, con más de 3.600 paneles de vidrio y 19.000 de hormigón, refleja la alta tecnología y un gran compromiso ambiental.
Bois de Boulogne de París
Le Bois de Boulogne nos recibe con sus mejores vestidos, tonos ocres y amarillos, alegres, ya han cumplido su función…
Las hojas de los árboles pasan a otra dimensión alegres y pizpiretas, no parecen tristes, porque volverán la primavera que viene.
Un entretenido paseo nos relaja y excita a la vez, nos preguntamos ¿Cómo será el museo?… tarda un poquito en aparecer, activando nuestra imaginación y aumentando nuestro deseo de verlo…
La belleza de la naturaleza es una dura competidora para el museo. Sin embargo se fusionan, sin rivalidad. Serenando el espíritu para prepararlo al encuentro del museo.
El museo se presenta como si hubiera surgido de las entrañas de la tierra de una forma natural.
Quizá las suaves formas de Frank Gerhy te embrujan. Su arquitectura curvilínea te va llevando a su terreno engatusándose, reduciéndote, sin imposición alguna y conduciéndote poco a poco a su terreno, que es, el de fascinarte sin que apenas te des cuenta.
El color, un color plateado de la arquitectura de F. Gerhy tiene un efecto muy relajante para la vista y para el alma. Te prepara el espíritu para poder disfrutar de su poderosa arquitectura aparentemente sencilla, pero llena de recovecos y misterios.
En Bilbao tenemos un claro exponente de su personalidad creativa con nuestro museo Guggenheim.
Personalmente a mí me ocurre con la arquitectura de F. Gerhy que al llenarme tanto pierde todo el interés la obra expuesta en su interior.
No hago más que dar vueltas alrededor de él, admirándolo cada vez más y empatizando absolutamente seducida por las emociones.
Igual me sucede con el museo de Bilbao, que lo rodeo continuamente sin decidirme muchas veces a entrar, diciéndome a mí misma ¡la próxima vez ENTRARÉ!
Sin embargo me llena tanto su exterior que sospecho que la obra del interior y las exposiciones, por muy hermosas que sean siempre se van a quedar pequeñas frente a la belleza del museo en sí mismo.
Frank Gerhy es muy coqueto y seductor, y se queja muy a menudo de que los medios dicen de su arquitectura que es ARQUITECTURA ESPECTÁCULO, él se enfada, pero no sé si ciertamente es verdad la profundidad de su enfado o es un juego hipnótico con el espectador, porque no puede haber mayor cumplido para un artista creador que su Obra sea práctica y además espectacular…
El único «problema», querido Frank Gerhy, es que tu arquitectura es tan espectacular, que no impositiva, pero Sí muy seductora bajo ese disimulo que no impone, pero sí seduce irremediablemente.
La Fondation Louis Vuitton es un centro cultural integral: un museo de arte contemporáneo, un espacio de creación y comisiones artísticas, y un foro de actividades educativas, musicales y académicas, todo envuelto en una arquitectura singular.
Cuando el matrimonio americano Handler viajó a Europa y descubrieron a Bild Lilli (1955-1964), quedaron fascinados con ella y compraron sus derechos. A Ruth Handler la muñeca Bild Lilli le resultaba demasiado sexy por lo que re-diseñó una muñeca mas “aniñada” inspirándose en su hija cuyo nombre era Bárbara.
Así nació BARBIE, la muñeca más icónica del mundo, la más vendida y adorada por todxs.
La trayectoria de la muñeca Barbie con su vida de adolescente, sus diversas profesiones, hermanas, amigxs, novio… es de sobra conocida. Actualmente la casa Mattel ha querido volver a sus orígenes y se están reproduciendo los modelos originales de Barbie Vintage junto con todos sus accesorios, Familia y Amigos.
Familia y amigos
La muñeca Barbie no solo es un ícono por sí sola, sino que también ha tenido una amplia red de familia y amigos desde su creación. A lo largo de las décadas, Mattel ha introducido personajes para expandir el universo Barbie, algunos con historias consistentes y otros que han ido desapareciendo o evolucionando
Familia
Barbie Millicent Roberts
Nacida el 9 de marzo.
Vive en la ficticia Willows, Wisconsin.
Ha tenido más de 200 profesiones.
George Roberts (padre)
Generalmente representado como ingeniero.
Margaret Roberts (madre)
A veces se la menciona como ama de casa o doctora.
Skipper Roberts
Hermana menor de Barbie (introducida en 1964).
Representa a una adolescente. Ha tenido distintas versiones: desde infantil hasta moderna con estilo propio.
Francie
Introducida en 1966, Francie Fairchild es la prima moderna de Barbie
Stacie Roberts
Introducida en los 90.
Hermana mediana, un poco mayor que Chelsea.
Stacie Roberts
Chelsea Roberts (antes llamada Kelly)
Hermana menor, pequeña e infantil.
Muy popular en series animadas como Barbie: Dreamhouse Adventures.
Krissy Roberts
La más bebé de las hermanas (introducida en los 90, menos activa actualmente).
Pareja de Barbie
Ken Carson
Introducido en 1961 como el novio oficial de Barbie.
Han tenido una relación intermitente (¡incluso se «separaron» en 2004!).
Ha tenido muchas profesiones y estilos.
Mejores amigas y amigas famosas
Midge Hadley
Introducida en 1963 como la mejor amiga de Barbie.
Casada con Alan. Incluso fue madre en una línea de muñecas.
Teresa
Amiga latina de Barbie, introducida en los años 80.
Muy querida, aparece en muchas películas y series
Nikki
Amiga afrodescendiente.
Frecuente desde los 2000, aparece en Barbie: Life in the Dreamhouse.
Raquelle
A veces amiga, a veces rival. Muy glamurosa.
Conocida por su papel en Life in the Dreamhouse como la “enemiga graciosa”.
Skooter
Lanzada en 1965 como amiga de Skipper (la hermana pequeña de Barbie), era pequeña (unos 23 cm) y venía con coletas, lazos rojos y pecas.
Christie
Una de las primeras amigas afroamericanas de Barbie (desde 1968).
Históricamente importante por representar diversidad racial.
Summer, Grace, Kira, Renee, Daisy…
Otros amigos y amigas que han ido rotando a lo largo del tiempo.
Muchos tienen etnias, estilos y profesiones variadas.
Mascotas
Barbie ha tenido muchísimas mascotas, entre ellas:
Perros: Taffy, Tanner
Gatos: Blissa
Caballos: Tawny
También ha tenido delfines, loros, conejos, pandas y hasta unicornios mágicos en sus películas.
Barbie tiene una familia grande, un círculo social diverso y personajes recurrentes en películas, series y muñecas. Su universo crece y cambia con las épocas para seguir siendo inclusivo y actual.
Icono de moda
La muñeca Barbie es un ícono de moda por varios motivos que tienen que ver con su historia, su impacto cultural y su capacidad para adaptarse a las tendencias a lo largo del tiempo:
1. Diseño y estilo desde el comienzo
Desde su lanzamiento en 1959, Barbie fue diseñada con un enfoque en la moda. Ruth Handler, su creadora, quería una muñeca con la que las niñas pudieran imaginarse adultas, y el vestuario fue clave en eso. Su primer look, un traje de baño blanco con rayas negras y gafas de sol, ya era toda una declaración de estilo.
2. Representación de tendencias
Barbie ha reflejado casi todas las tendencias de moda de las últimas décadas: desde minifaldas de los 60, hasta looks punk en los 80, y ropa urbana o de diseñador en los 2000s y 2010s. Se ha vestido con ropa de diseñadores reales como:
Oscar de la Renta
Versace
Karl Lagerfeld
Moschino
Balmain
Esto la ha posicionado no solo como una muñeca, sino como una especie de “modelo” que lleva la alta costura al público infantil y coleccionista.
3. Colaboraciones con la industria de la moda
Mattel ha hecho colaboraciones con marcas de lujo y diseñadores importantes, reforzando el estatus de Barbie como ícono fashion. Incluso ha sido portada en revistas como Vogue y ha tenido su propia pasarela en eventos de moda.
4. Adaptabilidad y diversidad
Barbie ha sabido adaptarse: se ha diversificado con distintos tonos de piel, tipos de cuerpo, profesiones y estilos. Esto le ha permitido seguir siendo relevante y reflejar la evolución social y estética de la moda.
5. Influencia cultural
Barbie no solo sigue las tendencias, muchas veces las anticipa o incluso las marca. Su imagen ha sido referenciada en el arte, la música, el cine (como en la película Barbie de 2023) y en el diseño gráfico, reforzando su papel como símbolo de estilo.
En conclusión, Barbie es un ícono de moda porque ha sido un espejo de las tendencias durante más de 60 años, ha colaborado con las grandes casas de diseño, y se ha convertido en un símbolo visual reconocible en todo el mundo.
Su influencia trasciende generaciones y contextos culturales.
** Todas las imágenes de este post pertenecen a Silvia Marqués antigüedades.
Con el comienzo de la ansiada primavera hemos llenado nuestro espacio de preciosos Kimonos traídos de Japón. Concretamente de chaquetas «Haori» Vintage de los 70s – 80s.
¿Qué son las chaquetas «Haori»?
Se trata de chaquetas tradicionales japonesas que caen a la altura de la cadera o de los muslos. Estas chaquetas no se cierran, se usan abiertas o se unen mediante un cordón que conecta las dos solapas. Son muy similares a los Kimonos, confeccionadas en seda y/o algodón, cada pieza es única.
Es una prenda versátil que puede ser utilizada como look diario o incluso de invitada a una boda. Si admiráis las prendas japonesas, a partir de ahor,a las chaquetas Haori serán un Must Have en tu armario.
Chaqueta Haori, Vintage realizada en seda (Disponible en tienda)
Muchas Haori Vintage están confeccionadas a mano con técnicas tradicionales, lo que las hace `piezas únicas con detalles artísticos y de alta calidad que no se encuentran en prendas modernas fabricadas en masa.
Además combinan historia, estilo y exclusividad
Te animamos a que incorpores esta prenda comodín a tu armario y podrás combinarla en muchos looks. Puedes llevarla con o sin cinturón, abrochada o abierta.
A continuación te damos algunas ideas para que estrenes la primavera con estas originales chaquetas japonesas:
1. Combina con colores neutros
Recomendamos conjuntar esta prenda con camisetas y/o blusas lisas neutras, ya que suelen tener patrones llamativos y colores vibrantes. También puedes buscar interiores de tonos similares a los de tu chaqueta Haori. De esta forma no desviaremos la atención de nuestra gran protagonista.
Look de oficina con un toque japonés
Utilízala sobre una camisa forma y pantalones de vestir. Puedes añadir calzado de piel y un bolso clásico para un estilo profesional forma con un toque cultural.
2. Con vaqueros, pantalones y shorts
Probablemente se trate de la opción más elegida para obtener un look casual. Las chaquetas japonesas son prendas versátiles que podremos combinar con vaqueros y lucir elegantes e informales. Ten cuidado con el color de los pantalones elegidos, procura que los tonos encajen. Esta opción puede ser perfecta para una cena con amigxs
Añade unas deportivas blancas o botines para un estilo relajado pero sofisticado.
3. Con faldas largas y vestidos
Elegancia en capas
Si eres fan de llevar vestidos y faldas las chaquetas Haori pueden acompañar tu outfit. La clave estará en encontrar el vestido cuyos colores combinen bien con la chaqueta. Es importante que dediques atención a aquellos colores que se complementen. Por ejemplo puedes mezclar un Haori negro con algún estampado con un vestido rojo liso. No recomendamos escoger el mismo color en ambas prendas ya que podemos hacer que desmerezca.
4. Añade complementos
Elige accesorios adecuados.
Complementa con accesorios minimalistas o tradicionales, como un kimono, bufandas tejidos o joyería sencilla para potenciar su carácter vintage sin sobrecargar.
Los fulares, chales y/o cinturones le darán el toque final a tu look japonés. Los primeros tanto largos como cortos serán un gran acierto para dar el «broche de oro» al outfit. Combinación rojo-negro y/o Azul-beige por ejemplo pueden dar un buen resultado.
Como has visto las chaquetas Haori son prendas adaptables a los looks más diversos que puedas imaginar. Su estilo clásico y elegante puede complementar tanto atuendos tradicionales como contemporáneos, aportando un toque de sofisticación y carácter a cualquier look.
Las chaquetas Haori vintage reflejan la moda y la tradición japonesa de épocas pasadas, permitiendo llevar un pedacito de historia y cultura en la vestimenta.
En esencia, estas chaquetas combinan estética, cultura, sostenibilidad y exclusividad, convirtiéndolas en un accesorio interesante
Esperamos que a partir de ahora consideres esta prenda japonesa como un imprescindible en tu armario.
Panorámica del Títere en el mundo. Visita al Museo de Títere en Cádiz
Visitamos la exposición «Panorámica del títere en el mundo«, inaugurada en 2013 en la maravillosa ciudad de Cádiz. Una colección muy interesante, compuesta por más de 500 objetos y unas 350 figuras de diferentes países. La visita es gratuita y muy recomendable. Hemos aprendido mucho acerca de los tipos de títeres y técnicas diversas.
Akwava. Primitiva. Ghana (Tribu Ashantí), 1950
Descubrimos que Cádiz mantiene la tradición de títeres más antigua de Europa, a través del tetro de «La Tía Norica» que tenía su propia sala ya en 1815.
En los actos del Bicentenario de la Constitución de 1812 de planteó el proyecto de habilitar en la ciudad un espacio dedicado al arte y a la historia de las marionetas. De esta manera, se destinaron para este cometido las bóvedas de Santa Elena. Formaban parte del antiguo recinto amurallado junto a las aún denominadas «Puertas de Tierra» que servían, de defensa y protección de la población y que hoy permiten el acceso al casco histórico.
Désirée Ortega Cerpa
El espacio dónde se ubica el museo ha sido rehabilitado respetando la construcción original y cuenta con 18 bóvedas y 1500 metros en dos plantas. Las piezas fueron adquiridas por el Ayuntamiento de Cádiz en 2008. En definitiva, todo un deleite visual y cultural perfecto para pequeños/as y adultos.
Descubrimos títeres procedentes de diversos países como la Isla de Java, Ghana, Turquía, Tailandia, México, Rusia y España. Además de una exposición didáctica sobre la variedad de técnicas de construcción y manipulación: guante, hilo, varilla, dedo, acuáticos, marotes, así como sombras transparentes y opacas.
Teatro Real Coliseo de Carlos III de el Escorial (España)
Marote o Marotte
De Marion o Marionette. Es una marioneta en la que las manos del títere se sustituyen por las propias manos del manipulador. La mano izquierda del titerero sujeta el palo o vara que soporta la cabeza del títere. El brazo derecho se introduce en la manga del traje hasta sacar la mano por el puño haciendo las veces de la mano del títere. Hay diversas variantes de manipulación. Pueden incorporarse a la marioneta mecanismos para movimiento de ojos, control de dirección, y varillas auxiliares para atrezzos,
Museo del Títere, Cádiz
Marote
Museo del Títere
Títere de Sombras
Son figuras planas instaladas en varillas y a veces articuladas que se colocan entre una pantalla y una fuente de luz para que proyecte su sombra sobre el lienzo.
Museo del Títere. Cádiz
Wayang-Kulit. Isla de Java (1985)
Sombras translúcidas
Wayang-Kulit. Batara Brama. Isla de Java
Títeres de Agua
Originarios de Vietnam: mua roi muoc (marionetas danzantes en el agua). Son construidos con materiales no porosos que se manipulan semisumergidos en estanques o piscinas de agua y son accionados mediante cuerdas, varas y perchas.
Museo del Títere. Cádiz
Constituyen una variante única en el mundo. Es originario de la llanura norte de Vietnam y se le atribuye una antigüedad de diez siglos. Suelen acompañarse de efectos de luz y sonido y piezas del teatro popular chèo (Fuente: Wikipedia).
Títere de Varilla
Considerada por algunos titiriteros e investigadores como técnica a caballo entre la marioneta y el guante, por disponer de extremidades superiores articuladas, y carecer de las inferiores. Como los muñecos de guiñol, este títere sin pies es manipulado desde abajo introduciendo la mano en su estructura, pero su cabeza y hombros están anclados a un eje de madera que sirve de soporte a los brazos, con articulaciones en el codo y las muñecas que se moverán con las varillas que el titiritero maneja con la mano que no sostiene el cuerpo del títere. Artiles rastrea su posible origen en los wayang kulit indonesios del siglo xi, con cuya denominación títeres javaneses, suele identificarse a los de varilla.3 Fueron introducidos en Europa por el austriaco Richard Tescher en su teatro de Viena.3
Fuente: Wikipedia
FETICHE (Varilla). Francisco Porras, España (1950)
Wayang-Golek. Isla de Java 1982
Guerrero Puppi. Itlia 1970
Japón y España
China. Varillas
China. Varilla. Siglo XIX
MUJER. Primitiva – Varilla. Burkina Faso 1972
China. Varilla.
Cingara. Varilla. 1945
Títeres de Hilos
Referido a la utilización de un títere que se articula con hilos a un mando de madera (cruceta) que el titiritero sujeta y maneja con sus manos. El títere controlado por hilo o marioneta, es considerado por los profesionales como una de las formas más complejas de creación y manipulación. (Fuente: www.alasombrita.com)
Birmania. 1985
Birmania. 1985
A pesar de su complejidad, cuando se hace bien, puede dar vida a la marioneta y crear una experiencia artística impactante para el público (Fuente: www.alasombrita.com).
Turquía 1990
Austria. Siglo XIX
Austria. Siglo XIX
Austria. Siglo XIX
Austria. Siglo XIX
Kathpuli Mujer. India 2002
Kathpuli Mujer. India 2002
Birmania. 1975
Birmania. 1985
Birmania. 1985
Austria. S. XIX Birmania. 1985
Retablo de Maese Pedro
Estas marionetas se crearon para el Concierto Extraordinario de Música Española presentado en Nueva York el 12 de Octubre de 1964. Bajo la dirección musical de Odón Alonso y la dirección escénica de Aitor de Goiricelaya.
El Retablo de Maese Pedro, es una opereta del compositor gaditano Manuel de Falla, compuesta en 1922 e inspirada en un episodia del Quijote.
Museo del Títere. Cádiz
Carlomagno. 1963
Valencianos. Manuel Meroño. 1979
Joteros. Manuel Meroño
Gallina. Austria. 1930
Títeres de Guante
Títere que se manipula en elevación. El cuerpo de un títere de guante lo conforma la mano del manipulador que se desliza dentro de la envoltura. Los dedos se colocan de diversas maneras en el interior para sujetar la cabeza, formar los brazos, las piernas o las patas (Fuente: https://wepa.unima.org/es/titere-de-guante/)
Gato y conejo. Rusia. 1970
Zorro y Lobo. Rusia. 1970
Marionetas de guante
Currito. Francisco Porras. España. 1970 Deidad. Guante. Mali. 1965
Títeres de Dedo
Títere en el que los dedos del titiritero constituyen el motor principal de la manipulación (en elevación o ‘equiplana’). Sergei Obraztsov lo definió como “una muñeca formada por una mano desnuda con una bola en la punta del índice; es como la fórmula anatómica de una muñeca de guante” (Mi profesión) y habla de sus “muñecas-manos” (Fuente: https://wepa.unima.org/es/titere-de-dedos/)
«Cuentan que el títere nace cuando el hombre vio su sombra reflejada por las hogueras en las paredes de las cuevas donde habitaba. De ahí surgió la necesidad de hacer esas figuras que se movían, y las hizo creando historias. Con la piel de los animales que cazaban y con ramas de arbustos».
Exposición permanente «Títeres del Mundo». Museo del Títere (Cádiz)
Este museo, inmerso en lugar privilegiado, es un maravilloso recorrido por las marionetas del mundo. Hemos disfrutado paseando por sus salas alegres y coloridas, observando figuras únicas. Como podéis observar en nuestra tienda también disponemos de títeres y marionetas de diversas épocas.
¿Has heredado una lámpara antigua y no sabes qué hacer con ella?
Estás de enhorabuena! Aprovecha esta oportunidad para combinarla en algún espacio de tu hogar.
Tal vez estés en pleno proceso de decoración de tu nueva casa o quieras dar un aire nuevo a algunas estancias de tu casa… pues bien la incorporación de lámparas antiguas, vintage o retro pueden ser una buena elección.
Incorporar lámparas antiguas en una decoración moderna puede parecer contradictorio a primera vista, pero en realidad es una estrategia de diseño muy efectiva y estética. Aquí tienes algunas razones clave para hacerlo:
1. Aportan carácter y personalidad
Las lámparas antiguas y vintage son elementos atemporales que dan un toque especial a la estancia y pueden integrarse en ambientes tanto modernos como rústicos. Tienen historia, detalles artesanales y materiales que ya no se usan comúnmente. Estos elementos dan un toque único y auténtico a espacios modernos, muchas veces percibidos como fríos o impersonales.
Las lámparas de cristal, las que denominamos clásicas pueden dar luz y claridad a cualquier lugar de la casa. Incorporarlas al baño puede ser una buena elección que dará un toque sin igual.
2. Rompen la monotonía del diseño contemporáneo
Nuestro hogar se puede enriquecer con esta unión Antiguo – Moderno e integrarse en una decoración original y distinta. Cuando decoramos nuestro espacio es importante que se refleje un estilo propio y único. Seguro que puedes encontrar alguna lampara que encaje en tu vivienda.
En interiores donde predominan los tonos neutros, materiales industriales o superficies lisas, una lámpara antigua introduce texturas, formas inusuales y colores cálidos que equilibran la estética.
«Las lámparas antiguas añaden carácter y personalidad al espacio»
3. Crean un contraste visual interesante
La mezcla de estilos —moderno y antiguo— genera una tensión visual atractiva. El contraste entre líneas limpias y minimalismo moderno con la ornamentación y el encanto vintage aporta riqueza al ambiente.
4. Fomentan la sostenibilidad
Reutilizar piezas antiguas es una forma de decoración sostenible. Estamos dando una vida a un objeto existente, evitando producción adicional y apoyando la economía circular basada en las tres R: reducir – reutilizar – reciclar.
Una lámpara antigua y/o vintage puede convertirse en el centro de atención del espacio. Su diseño puede ser tan llamativo o artístico que actúe como una verdadera obra de arte funcional.
6. Se adaptan fácilmente
Muchas lámparas antiguas pueden actualizarse con tecnología moderna, como bombillas LED o sistemas de domótica, manteniendo su estética clásica pero adaptadas a la vida actual
7. Favorecen el estilo ecléctico
Combinar elementos de distintas épocas y estilos permite crear espacios únicos y personales, alejados de los catálogos genéricos. Una lámpara antigua puede anclar visualmente una mezcla bien curada de elementos decorativos.
En Silvia Marqués podemos sugerirte diversas formas de integrar una lámpara antigua en espacios específicos, ponte en contacto con nosotras y te asesoramos. Disponemos de una amplia variedad de lámparas vintage y antiguas en nuestra tienda de Bilbao.
Visitamos la exposición «Cómic. Sueños e Historia» de CaixaForum en Sevilla.
Un interesante recorrido por algunos de los cómics más relevantes de la historia con alguna que otra sorpresa para el visitante. Cautivadora muestra que abarca desde los orígenes: la narración secuencial , hasta la actualidad.
El mundo del Cómic está considerado hoy en día como el noveno arte, con una larga trayectoria que se remonta al siglo XX.
Aunque hay autores que afirman que el cómic ya existió en la pinturas rupestres de la prehistoria y en los jeroglíficos egipcios, es hacia 1800 cuando se comienzan a plasmar las primeras «historias ilustradas» considerándose El primer cómic : YELLOW KID (1895) nacido en un periódico de Nueva York, donde un niño describía los acontecimientos de un barrio pobre neoyorquino. Fueron estos los primeros cómics dónde se combinaban imágenes con la integración de diálogos en las viñetas.
Exposición Caixaforum Sevilla
El cómic además de ser reflejo de los cambios sociales y culturales, ha supuesto también un motor de transformación.
Los Cómics reflejan la realidad de cada época y pueden servir como una interesante herramienta de reflexión. Tienen un importante papel en la educación y son considerados como un espacio de pensamiento y expresión cultural.
Tienda «Silvia Marqués» en Bilbao
Pueden utilizarse como una potente herramienta pedagógica en el aula formal. Concretamente en España los tebeos sembraron una importante base educacional e influencia que marcó a varias generaciones, ayudaban a socializar y a desarrollar el sentido del humor.
Los cómics comienzan a adoptar sus principales características a partir del año 1895 ( un año antes del invento de la radio). EEUU fue el principal centro mundial de producción e innovación en este terreno.
A partir de comienzos del s. XX con la generalización de los suplementos del Domingo, se incluyó uno destinado a los cómics, de manera que el cómic paso de la tira diaria a ocupar una o varias páginas.
La Edad de Oro del Cómic estadounidense: Del Crac del 29 a la Segunda Guerra Mundial.
Con el crac del 29 el cómic de aventuras suponía una evasión para los lectores en contraste con la dureza que se vivia por la «Gran Depresión».
Milton Caniff. " Terry and the Pirates" (25 de noviembre de 1945). Tinta china y acuarela sobre papel Bristol
Los Super héroes: La máquina del mito
La Gran Depresión incentivó el surgimiento de la figura del superhéroe.
Superman (Jerry Siegel y Joe Shuster) publicado en 1938 tuvo un éxito inmediato.
El cómic-book aparece con un nuevo género, donde se invita a los lectores a la evasión. Eran libros a color que recogían las aventuras de superhéroes.
Los cómics en España: la comedia humana y los signos de la tragedia.
Los cómics en España surgieron de la revista TBO (de aquí el nombre que seguimos dando a los cómics: tebeos). En esta publicación aparecían personajes como el profesor Franz de Copenhague, Gran Pulgarcito y la revista femenina «Lily«. A finales de los años 50, aparece el cómic satírico, publicado por TBO, con personajes como “Carpanta”, de Escobar, “Zipi y Zape”, de Vázquez, “Mortadelo y Filemón”, de Ibáñez.
Vicente Segrelles "Rescate Nocturno". Le Mercenaire, portada, original que dio origen al cómic 1979. Óleo sobre papel Shoeller.
El Capitán Trueno, que corre numerosas aventuras al lado de sus inseparables amigos Goliat y Crispín.
La Edad de oro del cómic Franco - Belga
Cuando termina la Segunda Guerra Mundial triunfan en Francia: Tintin y Le Journal de Spirou. Competidoras y creadoras de dos escuelas diferenciadas: la escuela de Bruselas: Hergé y la escuela de Marcinelle por André Franquin.
A destacar el nacimiento en 1959 de la revista Pilote que tuvo un tremendo éxito con Astérix.
"Les Bijoux de la Castafiore" de Georges Rémi, Hergé. Tintin, vol.21, boceto de la página 3, Casterman. 1963. Grafito sobre papel.
Como curiosidad… Tintín ha logrado vender más de 200 millones de álbumes en todo el mundo y sus aventuras han sido traducidas a más de 60 idiomas. A día de hoy es un referente del cómic en Europa. Su autor fue un visionario, en 1952 se publicó «Aterrizaje en la Luna», 15 años antes de que Armstrong lograse aterrizar.
Ejemplares de Tintín en nuestra tienda Silvia Marqués
"Anatomy" Charles Burns. 1985. Serigrafía sobre papel
Curiosidades de Snoopy
«La personalidad de Snoopy es un poco agridulce. Pero tiene un carácter muy fuerte. Puede ganar o perder, ser un desastre o un héroe, y aún así acabar resolviéndolo todo. Me gusta el modo que tiene de escapar mediante su fantasía cuando está metido en un verdadero problema» extraído de www.graffica.info).
Dijo Charles Schulz
Exposición en Caixaforum (Sevilla)
Nació en 1950 de la mano del dibujante Charles Schulz. En sus orígenes Snoopy era un beagle convencional que caminaba a cuatro patas y no mostraba sus pensamientos. Con el tiempo su creador le fue humanizando y comenzó a andar sobre dos patas y a tener voz propia.
¿Sabíais que tiene su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y que fue el personaje elegido para ser la mascota de la NASA?.
Entre Italia y Argentina. El nacimiento de la Modernidad en el Cómic.
Mafalda representa la aspiración idealista y utópica de hacer de este un mundo mejor, aunque la envuelven el pesimismo y la preocupación debido a las circunstancias sociopolíticas que aquejan permanentemente al planeta. Los comentarios y ocurrencias de Mafalda son espejo de las inquietudes sociales y políticas del mundo de los años sesenta (Fuente: Wikipedia).
Algunas frases célebres de Mafalda:
«Comienza tu día con una sonrisa y verás lo divertido que ir por ahí desentonando con todo el mundo»
«El problema de las mentes cerradas es que siempre tienen la boca abierta»
«Como siempre: lo urgente no deja tiempo a lo importa»
Mafalda
Los Cómics, transmisores de mundos imaginarios, estereotipos, dramas existenciales, valores sociales, reflejos del mundo circundante, visionarios, llenos de creatividad…, con un amplio abanico de públicos y niveles y también como una poderosa herramienta educacional y cultural.
Una cita ineludible para los amantes de la moda y el cine.
A través de esta interesante muestra, Jean Paul Gaultier ( y gracias a Caixaforum, en colaboración conLa Cinémathèque française) nos permite sumergirnos en la relación entre el cine y la moda. Desde su mirada hemos recorrido una exposición única que atraviesa los contextos de creación de vestuarios y películas, su influencia y la aproximación a los diversos contextos sociales. Además pone el acento en importantes aspectos históricos como el empoderamiento femenino y su reflejo en la moda.
Falbalás
A los 13 años descubre su vocación gracias a la película «Falbalás», la película de 1945 de Jackes Becker en torno al agitado mundo de una casa de alta costura durante la postguerra.
Cuenta la historia de un famoso estilista parisino, impulsivo y perfeccionista, que seduce a sus modelos mientras renueva su inspiración creativa y termina rindiéndose al amor imposible. El filme tiene un impacto determinante en el diseñador y marca su trayectoria para siempre.
Película Falbalás
«Sin el desfile de Falbalás, nunca me habría dedicado a este oficio».
Jean Paul Gautier
Dedicada a la memoria de su gran amiga, la cineasta Tonie Marshall (1951-2020), actriz e hija del también cineasta y productor estadounidense William Marshall y de la actriz francesa Micheline Presle, protagonista de «Falbalás».
El Corsé es una prenda interior utilizada de diversas formas que comienza a principios del siglo XIX. Estuvo de moda en los años cincuenta y reapareció en los ochenta, confeccionada en tejidos exóticos como prenda exterior de noche.
Corsé con pechos cónicos pespunteados (Jean Paul Gaultier)
Se trata de un recurso al que Jean Paul Gaultier acude desde sus primeras colecciones prêt-à-porter de principios de los años ochenta. Marcado por los corsés de su abuela, el estilista saca esta prenda del ámbito de la ropa interior y la coloca por fuera para convertirla en una de las piezas clave de su firma.
Uno de los primeros looks de la exposición es el icónico corsé portado por Madonna durante su gira ‘Blond Ambition World Tour’ en 1990 diseñado por el propio Gaultier.
La famosa cantante Madonna ha promocionado esta prenda en una forma contemporánea exultante y se convirtió en símbolo de las mujeres con carácter.
A partir de los años 30, estrellas de Hollywood como Marlene Dietrich o Katharine Hepburn comienzan a vestir con prendas tradicionalmente masculinas, como pantalones y trajes de chaqueta. Pioneras y reivindicadoras de la libertad comienzan el camino de una nueva alternativa estética e ideológica abogando por la igualdad de género.
La estrella francesa Brigitte Bardot (Y Dios creó a la mujer, 1956) es una rebelde más salvaje, que reivindica una moda prêt-à-porter joven y sencilla (Fuente: Caixaforum).
Grace Jones vestida por Azzedine Alaïa.
Ambos vestidos diseñados por Cocó Chanel (1960) fueron llevados por Delphine Seyrig en la película «El año pasado en Marienbad» de Alain Resnais.
Simbolizan una elegancia distante, en completa armonía con el mundo frío y desolado creado por Resnais y Alain Robbe-grillet (guionista) (Fuente: Caixaforum).
Pierre Cardin (1962)
Vestido y Chaqueta llevados por Jeanne Moreau en Eva, de Joseph Losey (1962).
Se trata de una chaqueta de seda crepé de China negro con bordados de azabache y vestido a juego con bordados de azabache en la falda. Durante las pruebas de vestuario de esta película fue cuando conoció la actriz a Pierre Cardin, con quien compartió su vida durante unos años (Fuente: Caixaforum).
Jean Paul Gaultier y Pedro Almodóvar
Además de inspirarse en el cine, forma parte de su historia ya que ha creado vestuarios colaborando con el gran Pedro Almodóvar en las películas «Kika» «La mala educación» y «La piel que habito».
Gaultier ha sumado a la exposición homenajes concretos al cine español, que siempre ha servido de inspiración al modisto, con guiños a Pedro Almodóvar, Sara Montiel, Javier Bardem o incluso, a Don Quijote. Así como a diseñadores de la talla de Balenciaga o Paco Rabanne (Fuente: Caixa Forum).
«Antes de conocerle ya era fan de su trabajo. Mi relación con España está sin duda estrechamente unida a la Movida, a las mujeres de aquella época y a Pedro. En el cine de Almodóvar no se comportaban como mujeres objeto tontas. Me enamoré de Marisa Paredes, de Victoria Abril, de Rossy de Palma.
Era muy enriquecedor trabajar con todas ellas y con Pedro. Como director, tenía una visión estética muy definida de lo que quería transmitir y eso no es algo que pase siempre. Sus películas eran sus particulares bebés» Jean Paul Gaultier
Jean Paul Gaultier transforma la camiseta marinera en el emblema de El hombre objeto, su primer desfile de prêt-à-porter para hombres, en 1983. La camiseta marinera, revisitada y con la espalda al aire (característica generalmente asociada a la feminidad), se convierte en el símbolo de su marca.
Pop y Metal
En 1968, es Jane Fonda quien, bajo los rasgos de la aventurera Barbarella, viste una psicodélica túnica de metal especialmente creada por Paco Rabanne (Fuente: Caixaforum)
«El Satyricon fue un gran impacto estético: un fresco deslumbrante y fantasmagórico, con un vestuario y unos decorados grandiosos que ilustraban y reinventaban la Roma de la Antigüedad»
Bolero de plástico bordado. Colección «La pareja Adán y Eva, rasttas de hoy», pret-à-porter Mujer primavera-verano 1991 A la izquierda Paco Rabanne (1997). En el centro Balenciaga, aramadura co botas altas de tacón de aguja. colección 2021.
Los sesenta, una moda revolucionaria
«Pocos años después del estreno de la película de Klein, en 1970, Pierre Cardin, conocido por sus creaciones futuristas unisex, acoge en su casa al joven Gaultier, quien considera que esa fue su segunda escuela de moda».
«Pocos años después del estreno de la película de Klein, en 1970, Pierre Cardin, conocido por sus creaciones futuristas unisex, acoge en su casa al joven Gaultier, quien considera que esa fue su segunda escuela de moda». Jean Paul Gaultier
Desfiles
En los años ochenta, no solo Jean Paul Gaultier, sino también Thierry Mugler o Vivienne Westwood convierten los desfiles de moda en espectáculos – Dosier de prensa propiamente dichos.
La escenografía, la orquestación sonora y la actitud de los modelos —que parecen interpretar un guion en una sola toma— hacen del desfile la culminación de una creación colectiva similar a la del cine.
Vestido tubo. Colección París y sus musas, alta costura otoño- invierno 2000 look 37. Satén estampado bordado con lentejuelas. Reproduce un beso cinematográfico. La lució Catherine Deneuve en Closer to Paradise de Tonie Marshall (2002), directora a la que Jean Paul Gaultier dedica esta exposición.
«Es costumbre que los desfiles de moda se cierren con un vestido de novia, tradición de la que Jean Paul Gaultier se ha burlado a menudo con diseños humorísticos. Aunque el blanco simbolice la pureza y la virginidad, este vestido, cuya cola, a lo «persiana veneciana», tiene una longitud de 25 metros, lo lleva, maliciosamente, una mujer embarazada. Aparece en la escena del desfile de Absolutamente fabulosas de Gabriel Aghion (2001) (Fuente: Caixa Forum)
Vestido de novia. Colección «La pareja Adán y Eva, rastas de hoy». primavera – verano 1991. Tull marfil.
Hasta aquí nuestra foto-reseña sobre una exposición en la que hemos aprendido y disfrutado mucho, y a vosotrxs ¿Qué os ha parecido? ¿Qué os ha llamado la atención? Os leo en comentarios 🙂
Don Javier Viar, director del MUSEO DE BELLAS ARTES de Bilbao, nos sorprende muy gratamente a todxs, y, muy especialmente a los bilbaínos, con una exposición sorprendente titulada : BALENCIAGA , EL DISEÑO DEL LIMITE.
Es de agradecer el gran esfuerzo que ciertamente habrá tenido que efectuar, don Javier Viar, sorteando toda clase de obstáculos y así, podernos ofrecer esta Exposición ÚNICA.
Los vestidos de la exposición están de total actualidad, además de ser insuperables.
Mi intención inicial fue hacer un reporta je sobre la obra de C. Balenciaga. Para ello me preparé, leyendo toda clase libros y documentándome todo lo posible. Cuando tenia todos los borradores y esquemas preparados, fotos, etc. llega este mago que es Javier Viar, director del museo de Bellas Artes de Bilbao, con su titulo C. Balenciaga, el Diseño del Limite. Y….»Je Suis Touche´ » su ensayo que recomiendo a todos su lectura, porque nos da una clase magistral.
El diseño del límite
Pero a mi ya me ha llenado lo suficiente y hasta, el limite. Lo sugerente del titulo «El diseño del limite» desde un punto de vista filosófico general, personal y personalizándolo en la figura de C. Balenciaga.
Porque aparte de sus dotes creativas como patronista, creador, y diseñador, C .Balenciaga no hubiera podido llegar a ser quien fue si él mismo no hubiera diseñado su propio limite para si mismo.
Cristóbal Balenciaga. El hombre
Foto del Museo Balenciaga. Abrigo de cóctel en falla francesa de seda negra. Balenciaga Eizaguirre, Cristóbal Agosto 1956
El misterio de su personalidad, al negarse al protagonismo personal, dirigió la atención, hacia la extraordinaria calidad de sus prendas.
El respeto y la educación hacia sus colegas de profesión, hicieron de él una persona muy respetada.
Balenciaga sobresalió gracias a sus cualidades personales y a la alta calidad de su trabajo.
Nace en Guetaria en 1895. Hijo de una costurera y de origen humilde, pronto encontró una protectora que le mando estudiar sastrería.
En 1936 debido a la guerra civil se va a Londres.
Imagen del Museo Balenciaga. Traje sastre de lana gris jaspeada y terciopelo liso de seda negra.Balenciaga, C. Agosto 1947
En 1937 se instala en París y funda la sociedad.
En 1952 visita Nueva York para negociar la distribución de sus perfumes. La casa Balenciaga llego a tener en 1953:
Operarios a tiempo completo: 318
Operarios: 244
Cortadores: 3
Maniquíes: 10
Numero de modelos creados y presentados primavera verano:181
Otoño invierno: 189
Otras líneas: boutique guantes y perfumes
Foto del Museo Cristóbal Balenciaga. Certificado de trabajo. Julio 1964
C. Balenciaga no se dejaba influir por nadie en ningún aspecto de su vida, era muy reflexivo y callado, y tenia las ideas muy claras de lo que quería y cómo conseguirlo, sabía adaptarse a las circunstancias, y ser un «torero de la vida», sin por ello perder un ápice de de sus ideales.
Siempre fue muy discreto en su vida personal y familiar, por todo ello no nos meteremos a opinar, sobre esa cuestión, por respeto, y porque yo misma soy capaz de ponerme algún limite recomiendo la lectura del libro Balenciaga de Lesley Ellis Miller, que venden en la librería del museo a un precio realmente asequible.
Imagen del Museo Balenciaga. Fotografía Diciembre 1944
Los que le conocieron comentan que sabia escuchar, cuando le criticaron por ejemplo su «estilo saco«, que era demasiado grande y que favorecía tanto, accedió a hacer algunos cambios pero no cedió un ápice en las proporciones.
O cuando era capaz de mantener el escaparate que le gustaba durante un año, él no era partidario de cambiar continuamente de moda, de estilo, sino de un cambio lento y progresivo, un concepto completamente distinto al de hoy en día, que es la moda de «usar y tirar», será porque no llena realmente.
Personalmente ,e siento orgullosa de decir , este vestido lo tengo desde hace 10 años y mas….cuando entramos al museo de Bellas Artes y somos recibidxs por una extraordinaria Mise en Encene, llamada noche brillante. Con tres vestidos que están de máxima actualidad tanto en el diseño, como en la belleza del tejido, los arquitectos diseñadores de la muestra, nos los muestran a modo de látigos de luz en círculos, a modo de malabaristas o ilusionistas, de un modo contundente, pero sin imposición.
Foto del Museo BAlenciaga. Vestido de noche en gasa marfil, bordado con hilos dorados. Agosto 1953
Diseñador versátil diseñó los uniformes de las azafatas de Air France en 1969. También diseñó, para numerosas obras de teatro.
No cabe duda de que C. Balenciaga dominaba sus limites propios, ¿Cómo sino hubiera podido llevar una empresa con tantas modistas y personal entre patronistas fabricantes, de telas, a los asociados clientes, adaptarse a las circunstancias de su época guerra civil española incluida, irse a París sin dominar el idioma, y tratarse con gente tan diversa y culturas tan distintas?
Incluso se dio un tiempo a si mismo para viajar. Cristóbal supervisaba todas sus creaciones, sin omitir ningún detalle a la hora de seleccionar las telas. Era muy exigente y se pasaba horas enteras tocándolas.
Imagen del museo Balenciaga. Conjunto de novia
Balenciaga, Cristóbal
1922
En 1958 el gobierno francés otorga a C. Balenciaga el titulo de Chevalier de la legión d´honneurpor sus servicios a la moda.
En 1968 Balenciaga anuncia su retirada. Aunque continúa con la producción de perfumes. En 1971 hace su última aparición pública en el entierro de Chanel.
Imagen del Museo Cristobal BalenciagaAbrigo de fiesta en organza de seda de color marfil. C. Balenciaga 1964
C. Balenciaga no se dejaba influir por las modas del momento y un poco semejante a la empresa Inditex , no invirtió en publicidad, mas que lo imprescindible.
No le gustaba rebajar el precio de sus prendas porque sabía que eran de muy buena calidad. Cuentan que en una ocasión una clienta que estaba embarazada le pidió una rebaja sobre varios vestidos argumentando que pronto no le iban a servir a lo cual el contesto. –pero yo no soy el responsable! ¡Desde entonces fueron más amigos todavía!.
Su empresa llego a cotizar en bolsa. En 1972 hace su último encargo para la futura duquesa de Cádiz, Carmen Martinez Bordiu.
Imagen del Museo Balenciaga. Vestido de noche en tafetán de seda en color negro. C. Balenciaga 1952
El 24 de marzo de 1972 muere en Jávea.
Todas las sociedades han tenido y tendrán sus límites porque el género humano necesita límites, pero esos limites son generales y nos enseñan a convivir civilizadamente con los demás y en sociedad. También existen los limites personales, los que nos deberíamos imponer a nosotrxs mismos y esos son muy difíciles de llevar a cabo.
Otros diseñadores como por ejemplo Y. Saint Laurent, no supieron ponerse sus limites y otros que mueren por las drogas, y Un gran número con vidas muy desordenadas que harán de sus carreras espacios muy cortos.
Imagen del Museo Balenciaga. Vestido de noche en tafetán de seda de color negro y tul de seda de color salmón. C. Balenciaga. 1928
“Yo soy Dior, gracias a Balenciaga”,
decía en sus memorias Cristian Dior par Dior.
Solamente en la medida de que seamos capaces, cada uno de nosotrxs mismxs, de ponernos nuestrs limites personales y que en muchas ocasiones estarán en oposición al medio que nos rodea, seremos capaces de vislumbrar cómo a través de una gran ventana, como nos sugiere, Javier Viar,lo ilimitado.
Silvia Marqués (Bilbao, 2010)
Imagen del museo Balenciaga. Vestido de noche en ziberlina marfil. 1967. C. Balenciaga
** Algunas imágenes de este post han sido extraídas de la muestra fotográfica disponible en la web del Museo Balenciaga.